L'objectif de cette séance autour du vêtement était de se demander, en partie dans le sillage des travaux de Roland Barthes, s'il existe un langage du vêtement. Pour cela, il s'agissait de faire retour au linguiste Roman Jakobson en reprenant les six fonctions du langage pour examiner jusqu'à quel point on pouvait par là rendre compte des notions de vêtement, de mode, d'élégance et de coquetterie. Auteur d’un livre sur l’histoire de la coquetterie masculine (publié chez Perrin en 2011), Jean-Claude Bologne s’intéresse à la mode notamment comme agent de différenciation des sexes.
Jean-Luc Bologne est critique littéraire, directeur de collection aux éditions de la Nouvelle République (Tours). Depuis 1993 il enseigne l'iconologie médiévale à l'ICART (Institut supérieur des carrières artistiques, Paris). Depuis 2002, il est administrateur de la Société des Gens de Lettres.

Spécialiste du design et de l'art du XXe siècle, Anne Bony dirige une collection de livres d'art consacrée à la création du XXe siècle, parue aux Éditions du Regard : Les années 10, les Années 20 etc. jusqu'aux années 2000 en parution. Ces ouvrages dressent par décennie un panorama international de l'art, de l'architecture, du design, de la mode, du cinéma, de la musique, du théâtre, de la littérature...
Elle est également l'auteure de la série Meubles et décors des années 40 / 60 / 70 / 80 et a participé à de nombreux ouvrages sur la mode.
Conférencière et enseignante à l'Institut Français de la Mode (IFM), à l'Institut d'études supérieures des arts (IESA) et à Drouot formation, elle collabore aussi à de nombreuses revues d'art.

Comment évaluer a priori les éléments et micro-décisions qui rendent une entreprise ou une organisation favorable à la création ? Inspiration, cadrage, recherche, mise en forme, validation... : telles sont les cinq phases qui se retrouvent dans toutes les industries créatives, de la mode au cinéma en passant par la gastronomie. Mais contrairement aux secteurs industriels classiques, les industries créatives doivent accepter la possibilité de l'échec, préserver une « boîte noire » créative en leur sein, et renoncer aux outils de gestion classiques, même s’il leur faut être rentables.

Chercheur en gestion au CNRS (GREG HEC et CRG École polytechnique), ancien élève de l'École polytechnique, Thomas Paris mène des recherches sur le management de l'innovation, l'économie de l'immatériel et le management des industries de la création. Auteur ou coordinateur d'ouvrages sur le droit d'auteur, la diversité culturelle dans le cinéma, l'économie de l'audiovisuel à l'ère de la convergence, il anime le « séminaire Création » de l'École de Paris du management, à l’Ecole des Mines de Paris.

Il est notamment l’auteur de Manager la créativité (Innover en s'inspirant de Pixar, Ducasse, les Ateliers Jean Nouvel, Hermès...), éditions Pearson, 2010.

Mode et parfums sont deux domaines dont la proximité est une "fausse évidence". Après des décennies au cours desquelles le parfum a été conçu comme un appendice des marques de mode (avec les parfums de couturiers dans les années 1920 puis les parfums de marques dans les années 1970), l'arrivée des parfums de créateurs (depuis Angel de Mugler, 1993) puis des parfums d'auteurs (depuis la naissance des éditions Frédéric Malle, 2000) marque une nouvelle autonomie du parfum, avec l'émergence nouvelle de modèles de "co-production" entre designers de mode et parfumeurs.

Anne-Sophie Breitwiller est docteur en sociologie (Centre de Sociologie de l’Innovation, Ecole des Mines de Paris) et professeur associé à l’Institut Français de la Mode.

Danielle Elisseeff est une historienne française spécialiste de la Chine.

Élève de l'École nationale des chartes, elle y rédige une thèse intitulée La connaissance de la Chine en France au XVIIe siècle (1964), titulaire d'un doctorat du Centre de recherche sur l’Extrême-Orient, Danielle Elisseeff est également professeur émérite au Centre d'Etudes sur la Chine Moderne et Contemporaine de l'EHESS. Elle enseigne aussi à l'École du Louvre.

Elle a contribué à deux ouvrages collectifs publiés aux éditions IFM-Regard : Esthétiques du quotidien au Japon (http://bit.ly/IFMJapon, parution septembre 2010, sous la direction de Jean-Marie Bouissou), et Le luxe, essais sur la fabrication de l’ostentation (http://bit.ly/IFMleluxe, octobre 2011, sous la direction d’Olivier Assouly).

 

On observe depuis quelques années une convergence généralisée des lieux du luxe et de l’art contemporain. La stratégie pour les marques est d’afficher une singularité, un caractère unique qui leur permet de sortir du marché et d’entrer dans le domaine de l’incomparable. Des marques de luxe et des artistes explorent ensemble le rapport entre objet industriel et produit de luxe à l’ère de la reproductibilité technique : dans un double contexte d’esthétisation de la marchandise et de marchandisation de la culture, le luxe devient tour à tour source d’inspiration, de subversion ou de sacralisation. Ces tentatives distanciées et critiques finissent par poser la question de l’intégrité du geste artistique dans le contexte de stratégies marketing à l’origine de cette notion hybride d’« artketing ».

Cuisine et mode s'opposent a priori comme « patrimoine » s'oppose à « volatilité ». Pourtant, on observe depuis quelques années un rapprochement spectaculaire entre couture et cuisine. Le « chef » est en train de rejoindre le couturier au panthéon des stars. Le rapprochement entre couturier et cuisinier s’organise autour de notions empruntées à l’art et au marketing, avec l’appropriation par le monde de la cuisine du concept de « marque » associée à un nom de créateur, avec tous les produits dérivés qui l’accompagnent.

Exploration croisée de deux univers créatifs et de deux domaines d’activité économique qui se rapprochent sans toutefois se ressembler. L’univers de la gastronomie demeure un univers artisanal. Il n’y a pas de grands groupes en haute cuisine et même Alain Ducasse reste une PME.

Christian Salmon, Directeur de recherche au CNRS.

De quoi Kate Moss est-elle le nom ? Auteur de Kate Moss Machine (Editions La Découverte), Christian Salmon, membre du CNRS (Centre de recherches sur les arts et le langage, CRAL EHESS) interroge cette figure emblématique de la culture de mode contemporaine.

Avec le corps maigre et mobile de Kate Moss, c'est une nouvelle figure qui apparaît au tournant du XXIe siècle, celle d'un sujet idéal, adaptable en toutes circonstances, capable de se réinventer sans cesse à travers la mise en scène et la narration de soi. La figure de Kate Moss nous enjoint à devenir stratèges de nous-mêmes, en sujets aguerris capables de faire un usage intensif de nos compétences et de nos affects, dans le but de donner la meilleure image possible. Qu'il n'y a pas d'autre rapport à soi que ce travail de mise en valeur, assisté par toutes sortes d'experts du développement personnel. Que les individus n'ont plus le choix qu'entre une vie échangeable et donc stylisée, relookée et coachée, et une vie non stylisée mais qui ne vaut rien et dont personne ne veut. Dans cette logique exclusive, nous sommes tous des mannequins anglais...

Christian Salmon est également l’auteur de Storytelling, la machine à raconter des histoires et à formater les esprits (Editions La Découverte)

 

Si le luxe semble globalement ­résister à la crise économique et financière actuelle, la possible remise en question des fondamentaux de la société productiviste peut faire évoluer les choses, alors qu'une réflexion globale se fait jour sur l'abandon du « toujours plus » au profit d'un « toujours mieux ».

Le luxe peut-il rester encore « luxueux » ? C'est en philosophe plus qu'en économiste que Thierry Paquot tente d'expliquer et de discuter ce constat, estimant qu'une « philosophie de la consommation » peut être élaborée à l'heure de l'impératif environnemental.

Thierry Paquot, professeur des universités, philosophe de l¹urbain, éditeur de la revue Urbanisme, membre de la rédaction des revues Esprit, Hermès, Books, auteur de nombreux ouvrages sur la ville et l¹urbain, le temps, les utopies et aussi d'Éloge du luxe. De l¹utilité de l¹inutile (Bourin, 2005 et Marabout, 2006), du Petit Manifeste pour une écologie existentielle (Bourin, 2007) et De la société de consommation et de ses détracteurs (Mouvements, n° 54, La Découverte, juin 2008).

L'élaboration de justes représentations quant aux usages possibles de ce que l'on entend fabriquer est aujourd'hui considérée comme une capacité décisive, ou stratégique, des structures dites de recherche et développement. Il n'en serait pas ainsi si la notion renvoyait à une nécessité. Ce n'est pas le cas. L'inquiétude quant aux usages d'un objet ou d'une production signale l'existence, au-delà du monde des opérations fonctionnelles, d'une zone d'indétermination pratique. La variabilité des usages ouvre en effet à l'inventivité un champ considérable. Mais surtout elle révèle paradoxalement - c'est ce qu'il s'agira particulièrement de montrer - que tout ce qui sert doit pouvoir manquer de nécessité. Les objets sont finalement d'autant plus utiles que leurs usages ne sont pas rigoureusement assignés.

Pierre-Damien Huyghe est professeur à l'université Paris 1 - Panthéon-Sorbonne. Responsable du Master Design, médias, technologie, il dirige également le Centre de recherche en esthétique, design et environnement. Son travail est plus particulièrement consacré à la philosophie des arts et des techniques. Il a publié notamment Art et industrie (Circé, 1999), Faire place (Mix, 2009), Modernes sans modernités (Lignes, 2009).

Le site de Pierre-Damien Huyghe : http://pierredamienhuyghe.fr/1.html

La conférence de Marie-Haude Caraës, directrice de la recherche à la Cité du design de St-Etienne, portera sur les enjeux et les méthodes de la recherche en "design énergétique", particulièrement sous l'angle de la précarité énergétique et de l'habitat d'insertion. Cette conférence sera notamment l'occasion de mieux comprendre comment s'organise, au-delà de la production de produits, la recherche dans le champ du design.

Dans le cadre de ses fonctions à la Cité du design, Marie-Haude Caraës organise des recherches dans les domaines de l'énergie, du design médical, du design de services, de l'habitat, du développement durable, des rapports entre usages et technologies, etc. Elle a publié en 2011 Images de pensée (aux édition de la RMN, Réunion des musées nationaux).

A travers le personnage de Rose Bertin, Ministre des modes de Marie-Antoinette, Michelle Sapori dessine l'apparition de la figure du couturier parisien et analyse comment, à la fin du XVIIIe siècle, se tissent les liens entre le marché des modes et le pouvoir, tout en s’attachant à montrer comment naissent les structures modernes du "commerce des apparences".

Michelle Sapori est historienne, spécialiste du commerce de mode en France au XVIIIe siècle. Elle a publié Rose Bertin, Ministre des modes de Marie-Antoinette (Paris, IFM/Regard, 2003) et a participé à l'ouvrage collectif Le luxe, Essais sur la fabrique de l'ostentation (sous la direction d'Olivier Assouly, Paris, IFM/Regard, 2005).

L'émergence sociale de la mode par Frédéric Godart.

La mode nous permet de définir notre identité sociale. Pourtant, malgré cette familiarité, elle nous apparaît comme étant insaisissable et mystérieuse. La mode est au coeur de l'affirmation de soi et s'inscrit, via le jeu des tendances, dans les mécanismes de l'influence sociale. Mais la mode est aussi proche de l'art et dotée d'une autonomie esthétique et créative. Enfin, la mode contemporaine ajoute à ces dimensions celles du culte du couturier, « génie créateur », et celui de la marque. Il s'agit d'un monde symbolique riche de sens dont l'empire ne cesse de s'étendre.

Frédéric Godart, docteur en sociologie de l'université Columbia à New York, est chercheur en théorie des organisations à l'INSEAD. Ses recherches portent sur les industries de la création et les réseaux sociaux. Il est l'auteur de Sociologie de la mode (Paris, La Découverte, 2010)..

"Robes de fée et contes de princesses : l'exemple de Peau d'Âne", par Odile Blanc.

Dans les contes, le vêtement intervient souvent pour matérialiser les transformations et souligner l'intrigue, avec la bienveillance du hasard et l'intervention des fées. Peau d'âne semble réunir ces ingrédients que résume fort bien la formule "il était une fois".

Odile Blanc est historienne du Moyen Age de formation, auteur d'une thèse sur les représentations du vêtement aux XIV et XVe siècles. Elle a ensuite travaillé au musée des tissus de Lyon, ce qui lui a permis de passer de la représentation aux objets et aux techniques de fabrication. Elle est l'auteur de nombreux articles sur le vêtement et les tissus du Moyen Age tardif. Son dernier livre, Vivre habillé, a paru en 2009 aux éditions Klincksieck.

Diplômé d'HEC et de l'EHESS, Docteur en Sciences de Gestion, habilité à diriger des recherches (Université Paris-Dauphine) Benoît Heilbrunn est professeur assistant de marketing à l'ESCP Europe. Doté d'une expérience dans le domaine du design, il est chargé des enseignements analyse et stratégie de marques, Design management et initiation au marketing. Il est notamment l'auteur de Le logo (Puf, Que-sais-je?) et de La consommation et ses sociologies (Armand Colin) et de La marque. Stratégie, identité, valeur(s), (à paraître chez Dunod).

Si l'on accepte l'idée que la société de consommation est romantique, à savoir que les consommateurs recherchent en permanence de la nouveauté, de l'inédit et des stimulations de tous ordres, il est compréhensible que les marques nous vantent en permanence la nouveauté et se targuent de proposer de la singularité. N'est-ce d'ailleurs pas propre au principe de démarcation qui fonde l'idée même de marque ? Pour autant, quiconque circule dans l'espace urbain et marchand se rend vite compte qu'au delà d'un discours ambiant sur la nouveauté ne circulent souvent que des codes surannés, des produits qui ne sont que des clones sans âme. L'objet de cette conférence est de penser cette ambivalence consubstantielle aux marques qui consiste à articuler une logique de répétition qui permet la réassurance et le contrôle de l'expérience avec une logique de singularisation qui émoustille les consommateurs en guise d'inattendu. .

La notion de « silhouette » est une invention historique. Le mot apparaît dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle et témoigne d’une volonté précise de prendre en compte l’ensemble du corps lorsqu’est évoquée sa présence. La nouveauté du mot est accompagnée d’une nouveauté de l’iconographie : dessiner autrement les allures et les tenues, accentuer le sens global des contours et des traits. L’enjeu est de souligner l’importance de la globalité corporelle comme celle de sa singularité. Cette invention du XVIIIe siècle, celle là même qui permet de croiser le mot et le trait, porte sur ce qui ne cessera de hanter la société occidentale, à savoir interroger le « mystère » de la présence physique, son individualité et son évidente personnalisation.
Professeur à l'université de Paris V et directeur d'études à l'Ecole des hautes études en sciences sociales (EHESS), Georges Vigarello est l’auteur de travaux anthropologiques et historiques consacrés au corps et à la beauté dont une Histoire du corps en trois volumes (Seuil, 2006), une Histoire de la beauté (Seuil, 2004) ou encore Les métamorphoses du gras, histoire de l’obésité (Paris, Seuil, 2010).

Successeur de la culotte, le pantalon symbolise la masculinité et, partant, le pouvoir, comme en témoigne l'expression " porter la culotte ". Au cours de la Révolution, il se charge d'une signification plus précise en exprimant les valeurs républicaines et devient un élément-clé du nouvel ordre politique. Mais l'Ancien Régime continue pour les femmes, qui n'accèdent pas, sur le plan vestimentaire (non plus que social), à la liberté et à l'égalité. Enfermées dans une altérité dite " féminine ", les femmes, privées de droits, assignées à résidence dans leur genre, sont interdites de pantalon. Rien de tel qu'un interdit pour susciter le désir...
Surchargé de fantasmes, le pantalon accompagne toutes les transgressions qui jalonnent la route de l'émancipation des femmes. Artistes, féministes, révolutionnaires, voyageuses, actrices, lesbiennes, sportives, innombrables sont celles, connues et inconnues, qui s'approprient l'habit masculin. Il faut attendre les années 1960-1970 - séquence politico-vestimentaire décisive - pour que le pantalon soit féminisé, pour qu'il devienne un vêtement mixte. Fin de l'histoire ? Pas vraiment. Pourquoi l'ordonnance de 1800 interdisant aux femmes de s'habiller en homme n'est-elle toujours pas abrogée ? Pourquoi les collégiennes ne portent-elles plus que des pantalons ? Pourquoi une " journée de la jupe " ? L'actualité des questions de sexe et de genre gagne à être située dans l'histoire longue de la peur de la confusion des rôles et de la contestation du pouvoir masculin.
Christine Bard est professeure d'histoire à l'université d'Angers (CERHIO / Centre d'histoire de Sciences Po), est notamment l'auteure des Filles de Marianne (Fayard, 1985), des Garçonnes (Flammarion, 1998) et de Ce que soulève la jupe (Autrement, 2010).

Laurent Cotta, chargé de la création contemporaine au musée Galliera et enseignant à l’école du Louvre.

Lorsque Yves Saint Laurent disait : « Je suis le dernier grand couturier », prédisant à sa manière la mort de la haute couture, s'agissait-il alors d'un trait d'orgueil ou d'une simple lucidité libérée de toute fausse humilité ?
Laurent Cotta s'interrogera sur la place d'Yves Saint Laurent dans l'histoire de la mode, les motifs profonds ayant conduit à une rétrospective dans un musée des Beaux-arts et non dans un musée de la mode, tout en mettant l'accent sur la constitution d'une identité propre, notamment à partir de l'héritage de Christian Dior et de Coco Chanel, peut-être comme synthèse de la mode et du style.
Laurent Cotta est chargé de la création contemporaine au musée Galliera et enseignant à l'école du Louvre.

en partenariat avec la Fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent

Diplômé de H.E.C et de l’Institut français de la mode, Nicolas Liucci-Goutnikov a soutenu récemment son doctorat à l’EHESS (Paris).

Docteur ès Lettres, ancien attaché culturel en Inde, Jérôme Neutres est l’auteur de nombreux textes sur l'art indien, dont New Delhi New Wave (Damiani, 2007). Il est commissaire de l'exposition sur le costume des cours princières indiennes à la Fondation Pierre Bergé-Yves Saint Laurent (du 10 février au 9 mai 2010).

La culture de l'Inde peut en partie se comprendre à travers l'histoire du vêtement et notamment le faste de la cour à l'époque des derniers maharajas, qui rivalisaient par la puissance du faste.

Catherine Geel est chargée des cours d’histoire et de théorie du design à l’Ecole normale supérieure de Cachan et commissaire associée à la Villa Noailles, en charge des expositions de design. Productrice d’entretiens avec des designers sur France Culture depuis 2002, elle est l’auteur de plusieurs ouvrages dont Entretien avec Pierre Paulin (Paris, 2008, éditions Archibooks).

Le design est aujourd'hui assigné à la créativité plutôt qu'à la réflexion et à la création. Historiquement, c'est pourtant d'une pratique modelée par des activités réflexives et profondément ancrée dans la structuration d'un rapport au "monde tel qu'il pourrait être" qu’il s’agit. Quel rôle revient alors au designer ? Comment le designer, en irriguant la fabrication d'un monde de la consommation aujourd'hui problématique, peut-il encore prétendre participer à la fondation d'un monde meilleur pour tous ?

Enseignant à l'IEP de Paris, consultant, Thierry Maillet est l'auteur de Génération participation : de la société de consommation à la société de la participation (Paris, 10/18, 2008) et il doit publier Une introduction à l'histoire du marketing (Paris, Agora, 2010). Par ailleurs, il achève son doctorat à l'EHESS (Paris) sur Naissance et Déclin des Bureaux de Style : 1880 – 1980.

Les « Bureaux de style » ont traditionnellement été liés à l'histoire des « Trente Glorieuses », soit la riche période de modernisation de la France. Cette approche était exclusive du monde de l'entreprise, de la communication, de la modernité et de la mode. Or, des travaux historiques récents suggèrent de les relier aussi bien à l'histoire au temps long de l'industrie textile qu'à l'histoire plus récente des associations et des projets collectifs. Des sociétés d'échantillonnage apparues à Paris à la fin du XIXe siècle au Comité des industries de la mode et au Centre français de la couleur constitués dans les années 1950, une approche complémentaire permet de mieux cerner le périmètre actuel des « Bureaux de Style ».

Annick Le Guérer, Anthropologue et philosophe, spécialiste des odeurs et des parfums.

Jadis doté de grands pouvoirs, le parfum a été conçu comme la « sueur des dieux », le « sang du Christ ». Au fil du temps, il s’est coupé de ses fonctions religieuses et curatives. D’abord de fabrication artisanale, son industrialisation intensive, sa composition essentiellement chimique, les lancements internationaux, l’abaissement des coûts de production ont considérablement accéléré son évolution. Face à la concentration industrielle et aux stratégies de la grande distribution, de nouvelles approches cherchent à redonner sa richesse créative au parfum et à en faire à nouveau un objet de rêve...

Historienne et commissaire d’expositions, Florence Müller est notamment l’auteur de Paruriers, Bijoux de la Haute Couture (Bruxelles, Fonds Mercator, 2006).

Professeur d’histoire contemporaine à l’université de Franche-Comté, Jean-Claude Daumas est l’auteur de l’ouvrage Les territoires de la laine. Histoire de l’industrie lainière au XIXe siècle (PUS, 2004).

Le XXe siècle a été marqué par un ample mouvement de démocratisation de la consommation de tissus pour habillement qui, pour toutes les fibres, a abouti au triomphe d’articles de qualité moyenne qui s’efforçaient de répondre à une demande d’articles plus légers, adaptés à des modes qui se renouvelaient de plus en plus rapidement, et que leurs prix mettaient à la portée de clientèles de plus en plus larges. Les firmes qui, pour s’adapter aux variations de la demande, ont su mettre au point des tissus nouveaux ont vu leurs ventes s’accroître, parfois de manière spectaculaire, quand les autres les voyaient stagner ou régresser. N’est-il pas cependant réducteur d’opposer centres conservateurs et centres innovateurs dans la mesure où il faut faire leur place aux phénomènes d’imitation et de circulation des modèles ?

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Enseignante à Paris IV et à l’IFM, Arlette Barré-Despond est l’auteur du Dictionnaire international des arts appliqués et du design (Regard, 1996) et de UAM : Union des artistes modernes (Regard, 1991)

L’exposition universelle, qui se tient à Londres en 1851 au Crystal Palace, marque un profond mouvement de rénovation conceptuelle et formelle qui va bouleverser les arts plastiques, l’architecture, les arts décoratifs et appliqués, le design. Jusqu’à la Première Guerre mondiale, s’opère une sorte de conjonction historique de plusieurs mouvements européens qui posent, à peu près simultanément, la question de la nécessaire adéquation entre productions conceptuelles et esthétiques dans leur relation au nouvel environnement technique, économique et social. Comment s’élabore alors, par des voies souvent inédites voire paradoxales, une pensée de l’objet, de l’artefact, que l’on qualifie aujourd’hui de « moderne » ?

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Parfumeur chez Hermès, Jean-Claude Ellena a écrit Le Parfum (Que sais-je ?, PUF, 2007)

Lors de cette séance, il s’agira de faire ressortir d’abord, la notion d’apprentissage et les conditions nécessaires au métier de parfumeur, comme les opérations de classification des odeurs et de mise en mémoire ; ensuite, sera mis en évidence le processus conduisant d’un savoir-faire à la création d’un savoir ; enfin, on procèdera à un état des lieux tant des parfums que des évolutions du marché de la parfumerie. Au cours de cette séance, un court film sera projeté : Un jardin après la Mousson ou carnet d'un parfumeur en Inde.

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Enseignant en sociologie à IEP de Paris, Guillaume Erner est notamment l’auteur de Victimes de la mode (La découverte, 2004) et Une sociologie des tendances (Que sais-je ?, PUF, 2008).

« Il faut parler sérieusement des choses légères » ; voilà ce que nous enseigne la sociologie des tendances. Il n'est pas indifférent d'expliquer ces focalisations du désir, par lesquelles des individus si différents les uns des autres, sans s'être concertés, formulent les mêmes envies. A lire les médias qui accordent une attention grandissante à ces phénomènes, tout se passe comme si les choix du plus grand nombre - du prénom de l'enfant jusqu'à la forme des gâteaux - étaient désormais régis par une autorité aussi puissante que capricieuse : la mode. Pourtant, sous leur apparence frivole, les tendances posent quelques-unes des questions les plus sérieuses de la sociologie. Car comprendre les tendances, c'est percer les mécanismes de l'incitation, de la diffusion des goûts et du rôle de marqueur social qu'ils peuvent jouer. C'est surtout analyser l'articulation entre l'individu et le corps social.

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